BORGHI E FRAZIONI IN MUSICA – VIII EDIZIONE

Spaziando dalle origini del valzer ai divertissement di Mozart, fino al ballabile nostrano, da F.Schubert alle danze della tradizione emiliana.
Ezio Bonicelli, anima del quartetto d’archi, pur provenendo da una formazione musicale classica è noto ai più per essere stato chitarra e violino del gruppo Üstmamò, emerso all’inizio degli anni Novanta come band più originale della scena musicale underground italiana.
Diceva allora Bonicelli: «Ustmamò, parola tramandata dai nostri padri, esce da un piccolo bar di un paese di montagna per raggiungere migliaia di persone che cantano “siamo i ribelli della montagna”, “voglio 100 pecore e un montone” e tanti altri canti d'amore, protesta, tradizione, lavoro, musica».
Lo stesso spirito anima la proposta artistica di questa serata: stavolta si tratta di trasferire la vivacità della melodia popolare emiliana non nel rock ma nella musica classica.
Pur percorrendo la tradizione della musica per archi, il quartetto approda infine alle canzoni popolari emiliane appositamente trascritte da Bonicelli in partiture per violino. Insieme a Bonicelli altri nomi dell’attuale scena musicale: Federica Vercalli, violinista della Fondazione Arturo Toscanini, Filippo Chieli, collaboratore di Morselli (ex Modena City Ramblers), e Antonio Bonatti.
Borghi e Frazioni in Musica inaugura con una proposta che sintetizza l’intero spirito della rassegna: coniugare gli elementi distitivi del territorio con la sperimentazione e la contemporaneità.

La Fanfara Burek è una banda composta da musicisti provenienti dalle esperienze di genere più disparate: dalla musica popolare italiana e balcanica al klezmer, dalla musica latino americana alla grande tradizione della canzone italiana, dal jazz all’improvvisazione radicale. Il loro repertorio si caratterizza per le inconsuete rivisitazioni di brani volte a produrre effetti disarmanti e inaspettati: oltre a cumbie, tarantelle e polke, musiche che hanno per intrinseca vocazione melodie da ballo, la Fanfara trasforma in festose melodie anche brani molto lontani dalla tradizione popolare, come il “Sogno d’amore” di Liszt riletto in chiave samba, “Pasqualino Marajà” di Domenico Modugno interpretato in chiave balcanica o “Ghost” di Albert Ayler suonato su ritmo caraibico. La Fanfara esegue inoltre alcune suite dedicate allo swing italiano degli anni Cinquanta e Sessanta, alla musica messicana, a quella balcanica e klezmer. L’enorme parco di Villa Bernaroli si presta perfettamente alla loro peculiarità: fruire degli spazi aperti in ogni dimensione, interagendo con quanto accade intorno e puntando a rendere ogni performance un unicum irripetibile.

Languido è un progetto musicale concepito in Emilia Romagna dall'incontro di due voci di spicco del nostro panorama musicale. Quella di Mara Redeghieri, protagonista della band che più si contraddistinse nel fermento della scena italiana degli anni Novanta, gli Ustmamò, e quella di Lorenzo Esposito Fornasari, leader dei Transgender e vocalist in diversi progetti di Giovanni Lindo Ferretti, Eraldo Bernocchi e Bill Lawswell. Due voci che si cimentano adesso, con esiti sorprendenti, in un jazz contaminato dai colori sudamericani, dalle note del tango e dai toni suadenti e leggeri della canzonetta italiana d'avanspettacolo. Voce, d'uomo, di donna. Fisarmonica e contrabbasso. Elementi essenziali e contrapposti che si inseguono, si corteggiano. Fino a contagiarsi l'un l'altro, a farsi possedere dall'altro. Sulle note campeggia la presenza carnale, il maschile e il femminile, con le loro intonazioni molli e lascive o potenti e passionali, in un sensuale corteggiamento che nelle sue fasi ripercorre tutte le corde dell'invaghirsi struggente e languido: dal timore e la gioia d'amare all'amaro, funesto, mal d'amore.

Comanda Barabba nasce nel 2000, come frutto dell'incontro tra musicisti con provenienze diverse, in senso artistico e geografico, interessati all'esplorazione di forme d’espressione musicale non convenzionali ma convenzionalmente etichettate come free-jazz. Come suggerisce l’ironico epiteto che dà il nome al gruppo, nella formazione non comanda nessuno, perché lo scopo è creare un suono collettivo diversificato e al contempo corale, sviluppando un linguaggio tendente alla contaminazione fra le differenti esperienze di cui i musicisti si fanno portatori e senza compromettere la coerenza e la compattezza di un lavoro costituito in anni di esperienze comuni. Le composizioni sono articolate alternando parti arrangiate in dettaglio a situazioni improvvisative completamente libere, oppure si sviluppano partendo da elementi predefiniti, così da offrire all'ascoltatore una forma riconoscibile ed efficace, ma senza privare i singoli della libertà di interpretare lo spazio dedicato all'improvvisazione, secondo il proprio modo di sentire. La musica e le performance che ne scaturiscono sono pertanto ogni volta differenti e invitano l’ascoltatore ad un clima di attenzione aperto e svincolato da cliché e consuetudini.

La musica sacra e profana antica è la radice millenaria che ha nutrito per secoli la cultura musicale dell’occidente, verso la quale tutte le più importanti espressioni musicali sono sostanzialmente debitrici. Oggi, in un’era in cui la cultura egemone favorisce il fiorire di un’arte massificata e di immediata fruizione, siamo testimoni di un progressivo inaridimento di contenuti. Il progetto Rinascita del Sacro intende contrastare questo processo di uniformazione attraverso il recupero della classicità senza dimenticarne il rinnovamento: pur nel rispetto dell’essenza e della natura profondamente spirituale di queste musiche antiche, ci si concede una rivisitazione in prospettiva moderna. Canti Gregoriani, Ambrosiani, della tradizione ebraica salmodica, o ancora vari codex medievali, tutte espressioni della religiosità popolare, vengono filtrate attraverso le nuove tecniche compositive proprie della musica intuitiva e delle varie tradizioni improvvisative tipiche della creatività attuale.

Il trio acustico, composto da musicisti di grande sensibilità ed esperienza, si muove agilmente partendo dai temi originali utilizzati come “tropi”, quasi fossero mappe per orientarsi in un percorso sempre diverso, creando un’armoniosa mescolanza di linee invisibili che vanno a formare le architetture di una performance cristallina per trasparenza e di algida bellezza.

Il sodalizio tra l’ex-leader dei Quintorigo John de Leo e Fabrizio Tarroni, polistrumentista e compositore, maestro del trasformare ed arrangiare brani di ogni genere, nasce a metà degli anni Novanta. L’attività concertistica dei due si trasforma in un vero e proprio progetto musicale, caratterizzato dalla grande libertà sperimentale che un duo consente e che l’ariosità dell’oratorio di Voltareno non potrà che stimolare. I due definiscono un rapporto non convenzionale fra lo strumento chitarra, lo strumento voce e la rielaborazione di brani altrui in chiave blues, partendo da una combinazione di rock, jazz, e pop; il loro genere è stato in realtà definito da alcuni recensori “imprevedibile”, perché caratterizzato da depistanti momenti d’improvvisazione vocale e sonora. Accanto a reinterpretazioni di brani rock di artisti quali Jimmy Hendrix e Lenny Kravitz, di standard jazz di autori leggendari quali Gershwin e Zawinul, la performance live rispecchia appieno la loro storia musicale e artistica: la voce profonda di de Leo con le sue raffinatezze e le qualità d’arrangiatore di Tarroni regalano ai brani eseguiti un’atmosfera di continuo stravolgimento, musica in movimento in cui la curiosità degli artisti è supportata da un bagaglio tecnico indiscutibile.

Il gruppo propone una rivisitazione di alcuni brani di jazz classico e moderno con una formazione decisamente atipica: Alessandro Petrillo e Domenico Caliri presentano i caratteri diversi di due chitarre, a volte preparate, a volte fretless, che si sposano, grazie a un particolare uso dell’effettistica, con le percussioni di un maestro come Paolo Caruso e la voce femminile di Letizia Magnani. Non a caso il repertorio comprende anche brani di cantanti contemporanee come Maria Pia de Vito e Maria Joao.

Il nome stesso di PanGea Orchestra definisce gli intenti della giovane formazione: un’unione fluida e omogenea costruita su diverse influenze e una completa sinergia tra i componenti del gruppo. Un incrocio di strade che portano ai confini del mondo, seguendo una struttura musicale di tipo teatrale con una laboriosa costruzione sintattica e dialoghi dinamici tra gli strumenti. Da questo albero prendono vita progetti diversi, di cui Le Quartiere Tzigane non è che un ramo: un viaggio cinematografico-musicale incentrato sul sodalizio Kusturica-Bregovic, dove gli arrangiamenti del gruppo puntano ad enfatizzarne l’atmosfera ricca di passione e contraddizioni.

Duo con pianoforte che propone la lettura di brani scritti espressamente per l’armonica da grandi compositori del ‘900 quali H. Villa Lobos (Concerto per Armonica e Orchestra- trascritto per armonica e piano), Gordon Jacob (Five pieces in the form of suite), R. Vaughan Williams (Romance per armonica e orchestra d’archi, riduzione per pianoforte). Inoltre il duo propone una serie di brani del repertorio pianisitico sui quali l’armonica costruisce delle improvvisazioni di carattere jazzisitico.

Angelo Adamo è un virtuoso dell’armonica: diplomatosi al Conservatorio Stanislao Giacomantonio di Cosenza, dalla fine degli anni ottanta continua il suo perfezionamento in seminari e workshop tenuti dai maggiori esperti. Vanta collaborazioni internazionali e ha suonato in concerto, in sedute di incisione e in jam session con Stefano Bagnoli, Stefano Bollani, Teo Ciavarella, Piero Odorici solo per citarne alcuni. Ha all’attivo un disco solista, numerosi cammei in lavori di altri artisti (tra cui Samuele Bersani e Gianni Morandi) e diverse colonne sonore filmiche.

Classe ’44, in cinquant’anni di carriera passa dal rock, al beat, al folk, al jazz, alla musica da intrattenimento, al cantautorato. Musicista storico di tutti gli artisti bolognesi (da Guccini, a Carboni, passando per Dalla e Morandi, sconfinando con Paolo Conte, la Vanoni e Sergio Endrigo) e di tanti grandi nomi del jazz internazionale, negli ultimi anni il suo estro creativo lo ha portato verso la scrittura, dedicata al racconto romanzato di sé e della sua Bologna. “Prendetemi e fate di me ciò che volete”, è il motto di Jimmy Villotti, che accetta live sempre più saltuariamente, ma, assicurandogli che può venire con la sua chitarra, verso la quale “nutre dispetto non avendo capacità di padroneggiarla” accetta di buon grado, ovvero accetta di creare un evento unico, come ogni volta che sale su un palco.

Il quartetto di chitarre Eon Guitar Quartet è nato nel 1999. Dopo alcuni cambiamenti fisiologici, la formazione si stabilizza definitivamente nel 2002: Mario Barbuti, Rita Casagrande, Giovanni Maselli e Roberto Tascini hanno dato vita a un suono genuino e passionale. Tutti i componenti si sono diplomati con il massimo dei voti in diversi conservatori italiani e hanno un background che spazia dalla musica classica tout-court alla musica elettronica e pop.

Eon Guitar Quartet è attualmente considerato uno dei migliori e più attivi ensemble cameristici del panorama chitarristico nazionale e internazionale e due membri del gruppo dirigono il Festival Internazionale di Chitarra San Filippo Neri di Bologna.

Un palcoscenico spoglio, luci bianche, quattro seggiole, la voce legge, recita, salmodia, canta. Due voci all’unisono, a controcanto, a contrasto, dove la voce è suono e dove la voce è senso. Due strumenti: l’organetto, piccolo mantice sonoro, figlio della meccanizzazione del mondo (Raffaele Pinelli) e il violino, pastoso come il miele, pungente impetuoso come un distillato, a ricucire, nella melodia, le antiche vie d’Europa alle piste dell’Asia Centrale (Ezio Bonicelli). Si spazia dalle atmosfere classiche di Bonicelli, agli impeti dell’organetto, a momenti etimologicamente, marcatamente blue: il racconto intimo e insieme universale di una regressione genetica, da casa nel mondo e dal mondo a casa, transumanza nello spazio e nel tempo. Il progetto di Giovanni Lindo Ferretti, in continua evoluzione, ripercorre la sua vita canora e non solo, e forte del il solido connubio con Lorenzo Esposito Fornasari, giovane talento del panorama musicale italiano, ha riscosso enorme successo in un tour che ha toccato ogni angolo della penisola, dai teatri più noti ai luoghi più insoliti mostrando ogni volta un carattere nuovo, una sfaccettatura diversa.

Kuashi in giapponese significa bellezza in sé. Si parla del vissuto di un animo femminile, del passaggio catartico da un kimono alla bellezza trascendentale. Liberamente tratto dalle opere di Harumi Setouchi, Carla Vannucchi, danzatrice e coreografa bolognese dalla fama e respiro internazionale, allestisce un assolo che è un viaggio iniziatico, la liberazione del corpo di una donna, come segno tangibile del cambiamento, della trasformazione; l’installazione originale di Theo Toy, artista visuale italiano oggi attivo prevalentemente in Venezuela, gioca tra la luce e l’ombra dei luoghi della vita da geisha, tra insidie e seduzioni. L’esecuzione dal vivo della colonna sonora, la Verklärte Nacht di Schönberg nella partitura per pianoforte, palesa e conferma la pertinenza che un assolo di danza contemporanea può assumere all’interno di un festival prettamente musicale.

Vengono dalla Sicilia, ma è tra Islanda e Messico, Caracas e Buenos Aires, tra Antananarive e Cape Town che trovano le atmosfere che influenzano la loro amalgama sonora. Seppur contaminato dalle evocazioni dei Sigur Ros e dei Calexico, dal cantautorato di Bob Dylan, Nick Drake, Jeff Buckley e Damien Rice, il gruppo è approdato a uno stile musicale inaudito e inconfondibile. Un indie-folk, in cui si incontrano melodie sudafricane e morbide liriche, tappeti di chitarra slide che pervadono e suggestionano le canzoni.

Collaborazioni con Davide Enia, regia di programmi di Radio 3, performance al Pistoia Blues, esibizioni insieme a Devendra Banhart: i musicisti dei The Second Grace hanno avuto esperienze di primo ordine prima di approdare a questa formazione, che, appena costituita, nel 2006, ha bruciato tutte le tappe. Un disco, degli showcase acustici di successo in Inghilterra, un contratto per una nota pubblicità e un tour europeo, che da Maggio toccherà Italia, Germania, Gran Bretagna e Irlanda. Uno di quegli spettacoli, insomma, della cui presenza in cartellone tra qualche anno ci si potrà assolutamente magnificare.

Per guardare il video di The Second Grace che è in rotazione su MTV segui il link: http://www.thesecondgrace.com/The%20Second%20Grace/Video%20Antananarive.html

L’ensemble è composto per l’occasione da studenti del Conservatorio di Bologna, i quali hanno già avuto modo di porsi all’attenzione del coro del Teatro Comunale: Enea Scala – tenore, Stefania Sinatra – soprano lirico drammatico, propongono rivisitazioni nell’arrangiamento per voce e piano (Francesco Ricci) di arie, duetti, terzetti e quartetti tratti dalle principali opere di Mozart (Don Giovanni, Così fan tutte, Le Nozze di Figaro), Bellini (La Sonnambula), Donizetti (Elisir d’Amore) e Verdi (La Traviata).